«В поисках вечных ценностей». (Основные направления развития зарубежной живописи) - shikardos.ru o_O
Главная
Поиск по ключевым словам:
страница 1
Похожие работы
Название работы Кол-во страниц Размер
Основные направления деятельности журнала «вестник образования россии»... 1 127.43kb.
Паспорт программы развития школы Настоящая программа определяет концепцию... 2 961.1kb.
Дисциплина История зарубежной литературы ХХ века для 3 курса дневного... 1 109.34kb.
Сохранения и развития санаторно-курортной помощи 1 254.12kb.
Тема Экспрессионизм в художественной жизни первой половины ХХ века... 1 41.54kb.
Программа дисциплины «Теория и история зарубежной литературы» 5 981.2kb.
Основные направления работы цбс рт на 2014 год 2 855.79kb.
Техника живописи 20 6814.38kb.
Российская экономика: в поисках дна 1 103.2kb.
Методические рекомендации по изучению дисциплины «История зарубежной... 1 231.19kb.
Основные течения в византийской монументальной живописи в период... 1 275.92kb.
Рабочая программа по мировой художественной культуре 10-11 класс 2 513.02kb.
- 4 1234.94kb.
«В поисках вечных ценностей». (Основные направления развития зарубежной живописи) - страница №1/1

Учитель I категории ИЗО и МХК

Шестакова Лариса Васильевна

МКОУ «Нижнемордокская средняя общеобразовательная школа»

Глушковского района Курской области.

Открытый урок по МХК в 11 классе

Тема: «В поисках вечных ценностей». (Основные направления развития зарубежной живописи).

Цель: прочувствовать художественный образ произведений искусства.

Ход урока:

Обучающиеся знакомятся с высказываниями знаменитых людей об искусстве.

Вступительное слово учителя:

Художественная культура ХХ века представляет собой разнообразие художественных течений и направлений в изобразительном искусстве, объединённых понятием модернизм (лат. новый, современный) или авангардизм (фран. передовой отряд). В ХХ веке тон начинают задавать художники, выработавшие собственные правила и законы живописи. Возникнув внезапно и ослепительно ярко, жизнь большинства художественных объединений оказалась недолговечной. И всё-таки, как показала история, некоторым суждено было оставить глубокий след в развитии искусства ХХ столетия.

Одним из первых художественных течений начала ХХ века стал фовизм. Посетители и критики парижской выставки 1905 года были буквально шокированы представленным зрелищем. «Плоская раскраска» огромных холстов, «линии, толщиной в палец», странное сочетание цветов- всё раздражало и вызывало многочисленные нападки. Придуманная критиком Луи Векселем пренебрежительная кличка «фовисты» (от фран.-дикие), ставшая впоследствии названием течения, означала чужеродность их творчества общепринятым нормам и требованиям. Вскоре, когда прошёл первый шок, специалисты и критики увидели в их произведениях тщательно продуманный творческий метод.

В фовизме: -Преобладание цвета над формой;

- Плоскостность;

- «Чистые цвета»;

- Стилизация предметов.

Фовисты акцент делали прежде всего на колорит. Они максимально усиливали яркость цветового пятна за счёт его контраста с дополнительными тонами, например красного с синим и сиреневого с оранжевым, что обеспечивало красочность картин и их особую декоративность, но неизбежно вело к упрощению формы.



Слайд: Понятийный словарь. Фовизм.

Лидер движения Анри Матисс (1869-1954).



Сообщение обучающегося: Биография Анри Матисса.

Анри Матисс (1869 – 1954)

Анри Матисс, сын хлеботорговца из северофранцузского городка, пришёл в живопись не совсем молодым. Он родился в провинции в 1869 году. После общей школы изучал право, служил клерком. Приехав в Париж для продолжения юридического образования, он предпочёл надёжной юридической карьере путь живописца. Увлечение живописью привело его на курсы рисования, затем в Парижскую академию и в Школу изящных искусств. Матисс много копировал в Лувре, осваивая приёмы старых мастеров. Он перевоплощался то в одного, то в другого художника, стремясь постигнуть тайны техники, секреты композиции, анализируя стилевое богатство живописи. Первые его работы чем-то напоминали полотна голландских мастеров и принесли ему некоторый успех: молодой художник был избран членом Салона. Но Матиссу хотелось большего – яркого выражения индивидуальности. От тёмной «музейной» живописи он неожиданно перешёл к почти невероятной солнечной цветности. «Дикие» - так образно окрестила их критика после нашумевшей выставки Салона в 1905 году. Парижан поразили кричащие краски, умышленно упрощённые формы. Однако это был всего лишь этап в творчестве Матисса, хотя его безоговорочно признали лидером фовистов («диких»). Сочетания красного и зелёного, оранжевого и синего носили кратковременный характер. На основе этого опыта нельзя было создать цельное плодотворное направление. В дальнейшем Матисс всё больше и больше стремился к гармонии. В этом ему помогли поездки на Восток и в Россию.

С 1916 года Матисс поселился в Ницце, где проводил большую часть года. Здесь родились его самые солнечные полотна в жанре портрета, интерьера, натюрморта, пейзажа. Изумительные женские портреты, сочный средиземноморский пленэр дают богатый материал для разговора о волшебстве кисти французского художника. Матисс предупреждал: «Я пишу теперь Свет не материальный, а духовный». Из сочетания глубоких эстетических воззрений и божественного дара и рождалась необыкновенная гармония этого солнечного искусства.

Учитель: Преобладание цвета над формой, плоскостность, стилизация предметов – характерные черты творчества Матисса. Художник отказался от смешения красок, предпочитая им естественные, чистые цвета. По его мнению, ничто не должно отвлекать от природного цвета краски. Отвергнув светотень и мелкие детали, он стремился передать суть художественного образа с помощью точной и лёгкой линии. В его картинах есть ярко взрывающаяся палитра красок, заливающая пространство солнечным светом.

Слайд: Репродукции картин А.Матисса.

«Танжер. Вид из окна». «Мастерская». «Грусть короля»


Одна из самых знаменитых картин Анри Матисса «Красная комната».

Анализ картины обучающимся: «Красная комната» (1908г.)

Анри Матисс. «Красная комната» (1908г.)

Одно из самых знаменитых полотен Матисса. При беглом взгляде на картину возникает ощущение богато орнаментированного ковра. Многочисленные арабески разбросаны на плоскости красного фона. Но приглядитесь, и вы увидите, что художник линией очертил условную границу стола и стены. Арабески воображаемого ковра сплелись воедино с натюрмортом на столе. Склонённая над столом фигура молодой женщины и прихотливо вьющиеся арабески объединены единым ритмом. Открытое окно напоминает нам о реальном мире, существующем за пределами этой комнаты. Обратите внимание, как локальные цветовые пятна, линии ритмически повторяются, внося в картину гармонию и равновесие.

Матисса можно назвать Мастером плоскости. Художник дал новую роль цвету, показав его самостоятельную ценность.

Слайд :А.Матисс «Красная комната».

Не менее известной является картина Анри Матисса: «Танец»



Анализ картины обучающимся: «Танец» (1909-1910гг.)

Анри Матисс. «Танец» (1909-1910)

В широко известном декоративном панно Матисса нашёл отражение идеал художника ,его философские представления о месте и назначении человека. В картине очень много символики, которая помогала выразить главную идею. Не раз отмечалось, что в древнейших культурах танец, исполняемый людьми с соединёнными руками, обозначает союз Земли и Неба. Холм, гора традиционно связывали мир земной и небесный, реальный и божественный. Пятеро человеческих фигур, взявшись за руки и образуя замкнутый круг, легко и стремительно движутся по поверхности холма. Слева большая фигура увлекает всю цепь. Земля, словно пружина, упруго прогибается под их ногами. Контуры танцующих обрисованы гибкими и выразительными линиями, создающими особый музыкальный ритм полотна. В картине господствуют всего три цвета – «небесная лазурь, розовая свежесть и зелень холма», но именно они подчёркивают динамику движения и общее философское звучание полотна.



Слайд: А.Матисс «Танец».
Учитель: «Красные рыбы» (1911г.)

Этой картиной художник покорил своих зрителей. Что мы видим? На круглом столе стоит круглый сосуд. В нём чистая, светлая вода и огненно-красные рыбы. Если приглядеться, можно увидеть чуть заметное подрагивание, ленивое шевеление. Рыбы открывают рот, неспешно плывут, а кругом изумрудная зелень, цветы и влажный, будто насыщенный озоном, воздух. Композиция картины в духе Матисса. Вы заметили, как круто наклонена плоскость стола, предметы показаны сверху, рисунок изобилует окружностями? Эта картина о вечном даре жизни, о красоте окружающего мира.

Матисс говорил: «Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнурённый человек, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой».

Учитель: Следующее течение, которое мы рассмотрим, это кубизм (от фр. – куб)

Если фовисты мечтали создавать искусство, радующее глаз и успокаивающие чувства, то кубисты хотели «растревожить человеческие души». Кубизм был воспринят как творчество форм. Призыв Сезанна «трактовать натуру посредством цилиндра, шара, конуса и т.п.» был воспринят кубистами как активное руководство к действию. В результате появились сложные геометрические композиции. Одно изображение могло накладываться на другое, так что у зрителя появилась возможность увидеть один предмет сквозь другой. Часто делались попытки показать предметы одновременно с разных точек зрения: сверху, снизу сбоку. Крупные объекты обычно ставились в центр композиции, а мелкие и второстепенные «подтягивались « к ним. Цвет и сюжет в кубизме выполняли второстепенную роль, главными были рисунок и композиция.

Порой и сами художники-кубисты затруднялись объяснить некоторые детали своих картин.

В кубизме: - Сложность геометрических композиций;

- Данное изображение накладывается на другое;

- Цвет и сюжет выполняют второстепенную роль.

Кубизм как самостоятельное течение в изобразительном искусстве ХХ века обязан своим появлением испанскому художнику Пабло Пикассо (1881-1973). Слайд: Понятийный словарь. Творчество П.Пикассо.

Кубизм - модернистское течение в изобразительном искусстве 1-й четверти ХХ в. Кубизм выдвинул на первый план формальные эксперименты: конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм.

Сообщение обучающегося: Биография Пабло Пикассо.

Пабло Пикассо. (1881-1973)

Пабло Пикассо родился в 1881 году на юге Испании. Первые уроки живописи он получил от отца. Юный вундеркинд в 8 лет сделал первый набросок полотна, а в 12 лет (по его собственным словам) рисовал, как Рафаэль. С четырнадцати лет он учился в Школе изящных искусств в Барселоне, затем в Королевской академии в Мадриде, но курс обучения не закончил. Подлинной школой для него стала художественная жизнь Парижа, в котором он жил постоянно с 1904 года.

Пикассо очень скоро выработал свою манеру изображения. Первые произведения относятся к «голубому» периоду (1901 – 1904). Их можно узнать по сумрачной, монохромной гамме голубых , синих и зелёных тонов.

Постепенно Пикассо изменил цвета своей палитры с голубого на розовые, грустная тональность его картин смягчилась. Этот период получил название «розового». Он был тоже непродолжительным: с 1905 по 1906 годы. В картинах 2голубого» и «розового» периодов остро ощущается отношение Пикассо к своим героям, его глубокое сочувствие к страданиям простых людей.

В 25 лет Пикассо победоносно утвердился в Париже. Его картины покупают, коллекционеры предлагали контракты. Он решительно порывает с реализмом, используя в изображении геометрические фигуры. Испания и Франция с равным правом называют Пабло Пикассо «своим мастером». Более чем шестидесятилетнее творчество мастера отличалось разнообразием и стремлением к обновлению. Он испробовал все возможные течения. Когда Пикассо приступал к новой работе, его спрашивали, в какой манере он будет писать, на что тот отвечал: «Так, как лучше смогу выразить то, что хочу». Великий мастер – новатор, он до последних дней расширял сферу своей деятельности и поисков.
Учитель: Программной картиной кубизма стала картина Пикассо «Авиньонские девицы».

Пять женских фигур заполнили почти всю поверхность холста. Фигуры кажутся вытесанными из твёрдого дерева или камня. Странные лица-маски искажены и деформированы. Девушка справа равнодушно смотрит через раздвинутый занавес. Фигура, сидящая спиной, обернулась и пристально взирает на зрителя. В каждом взгляде-немой укор и упрёк обществу, которое отторгло женщин и обрекло их на болезни и смерть. Картина воспринималась как страстный голос художника в защиту униженной и бесправной женщины.

В картине преобладают наклонные ломанные линии. Отсутствие центра композиции открывает возможность рассматривать изображение с различных точек зрения. Натюрморт из маленькой горки фруктов у ног девушек кажется странным и неуместным в общей композиции, готовым вот-вот «выскочить» за пределы полотна. Женские тела розового цвета противопоставлены голубому занавесу. По характеру живописи картина скорее напоминает большое декоративное панно.

Можно по-разному относится к произведениям Пабло Пикассо, но все помнят и знают знаменитую картину «Герника», которую он написал в 1937 году. Слайд: П.Пикассо «Герника».



Анализ картины обучающимся: «Герника» (1937г.)

Пабло Пикассо. «Герника».

В 1937 году вся Европа с напряжённым вниманием следила за гражданской войной в Испании. 26 апреля немецкая эскадрилья совершила налёт на маленький город Гернику. Это небольшой городок был священным для басков –коренного населения Испании, в нём сохранялись редчайшие памятники его старинной культуры. Военной необходимости в авиационном налёте не было никакой, фашисты хотели нанести противнику «психологический удар» и разрушили Гернику. Это событие явилось для Пабло Пикассо толчком к созданию великого произведения. Размеры этого полотна просто колоссальны: 3,5 метра в высоту и около 8 метров в ширину. И написал его Пикассо менее чем за месяц.

Все образы картины переданы упрощённо, обобщающими штрихами. В лицах матери и мужчины, обращённых к зрителю, оставлены лишь широко открытый в крике рот. Никакой индивидуальности. Рядом с матерью, держащей на руках мёртвого ребёнка с запрокинутой головой, - бык с выражением мрачного равнодушия. В правой части картины (рядом с мужчиной, выбросившим руки вверх) появились два человеческих лица – встревоженных, но с чертами неискажёнными, прекрасными и полными решимости. Впоследствии олицетворение фашизма стали видеть в образе быка, которому гибнущая лошадь обращает своё предсмертное проклятие.

На мадридской площади, носящей имя Пабло Пикассо, стоит монумент из розового гранита. Надпись на нём гласит: «Жители Мадрида в память о Пабло Руисе Пикассо – испанском гении мирного искусства.»

Кубисты нередко обращались и к жанру портрета. Фигура человека, представленная в геометрических формах, весьма отдалённо воспроизводила реальную модель. Голова напоминала шар, руки-прямоугольник, спина-треугольник. Лицо распадалось на множество отдельных элементов, по которым с трудом можно было восстановить облик портретируемого.

Пикассо изобразил своего друга Воллара –торговца картинами.



Анализ картины обучающимся: «Портрет Амбруаза Воллара» (1909г.) Пабло Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» (1909-1910гг.)

Пикассо изображает своего друга Воллара – торговца картинами. Портрет, прямо скажем, не совсем обычный. Лицо словно сконструировано из геометрических пластинок. И объём, и цвет исчезают, внутренний мир кажется призрачным, цельность образа распадается. Фигура серым пятном выделяется на тёмном фоне. Едва различимые черты лица поглощаются кубическими формами.

Перед такой картиной не нужно задаваться вопросом, что она изображает, а нужно понять, как она устроена. Фигуры и предметы Пикассо сначала раскладывал на составные геометрические элементы, а затем складывал в новую изобразительную форму, добиваясь соединения их на плоскости. Пикассо-кубист считал, что подражание природе мешает, а потому стремился насытить полотно игрой форм, линий, красок, света и теней.
Учитель: Пикассо постоянно менял живописную манеру, но всегда оставался абсолютно свободным. Однажды Анри Матисс, желая подчеркнуть антагонизм взглядов на творчество, назвал себя южным, а Пикассо-Северным полюсом. Но как Земля не может существовать без полюсов, так и искусство последующих времён невозможно представить без завоеваний Матисса в области цвета и композиции, без кубизма, чьё воздействие в наше время широко проявляется в искусстве, в оформлении интерьеров.

Пабло Пикассо присуждена Международная премия мира и международная Ленинская премия «За укрепление мира между народами».



Сюрреализм (фр. «сверхреальность») официально возник в 1924г.

Сюрреалисты опирались на ряд популярных философских теорий. Так, например, многое ими было заимствовано из учения о бессознательном австрийского врача и психолога Зигмунда Фрейда. В их творчестве особое значение приобретали фантазии, грёзы, сновидения и воспоминания. Именно в них они черпали художественные образы-символы. В их произведениях реальность сочеталась со случайным и фантастическим. Художники нередко видоизменяли природные свойства вещей: твёрдое оказывалось жидким, мягкое – окаменевшим, предметы мёртвой природы неожиданно представали в виде живой натуры.

В сюрреализме: - Фантазии;

- Сновидения;

- Воспоминания; Грёзы;

- Приём «сопоставления несопоставимого»;

- В одном объекте могут легко угадываться другие.

Слайд: Понятийный словарь. Сюрреализм.

Сюрреализм - Модернистское направление в искусстве и литературе XX в., провозгласившее творческим источником сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации).
Ярким представителем сюрреализма является испанский художник

Сальвадор Дали (1904-1989гг.)

Сообщение обучающегося: Биография Сальвадора Дали. Сальвадор Дали. (1904-1989)

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 года в городке Фигерасе на севере Каталонии, в Испании. Родители дали ему имя Сальвадор – Спаситель. Он был вторым сыном местного нотариуса. Впервые Сальвадор Дали обратил на себя внимание как художник на выставке, состоявшейся в 1918 году в Фигерасе. Успех Сальвадора убедил отца отправить сына в Школу изящных искусств в Мадрид. Это оказало огромное влияние на жизнь художника. В 1925 году в Барселоне проходит первая персональная выставка Дали, а в 1928 году он едет в Париж специально для того , чтобы познакомиться ещё с одним своим земляком – Пабло Пикассо, увидеть его новые работы. В 1929 году Дали окончательно переезжает в Париж. Он связывает свою жизнь с Галой ( «гала» по–французски- «праздничный»), бывшей женой поэта Поля Элюара. Этот союз сыграет огромную роль в жизни художника. Свою гениальность Дали осознал рано. Пожалуй, это глубокое внутреннее ощущение собственной гениальности и стало мощным стимулом его творчества. Дали занимали проблемы взаимоотношения времени и пространства, малого и великого, бренного и вечного.

В начале 70-х годов в Фигерасе Сальвадор дали открывает музей-театр своего творчества. Однако в 1975-м он серьёзно заболел и практически перестал рисовать. После смерти жены и пожара, происшедшего в его замке Пубол, Дали оказался совершенно беспомощным. Художник умер 23 января 1989 года. Последним спектаклем Дали были его похороны, прошедшие по заранее им написанному сценарию. Он похоронен в Фигерасе, в музее-театре Сальвадора Дали. Плита без надписи вмурована в пол зала первого этажа. В нескольких шагах от музея – архитектурное сооружение над могилой Галы, увенчанное большим яйцом.

Сюрреализм и Сальвадор дали – существенная составная часть духовного наследия ХХ века. Творческое наследие Сальвадора Дали огромно, оно будет удивлять и восхищать, раздражать и волновать многие поколения людей.

Название картин этого художника говорили сами за себя. Сам художник не всегда мог толком объяснить смысл своих картин: «Как вы хотите понять мои картины, когда я сам, который их создал, их тоже не понимаю». В его творчестве основополагающим являлся параноидально-критический метод, с помощью которого создаются такие картины, как , например, «Изображение исчезает». Картина воспроизводит полотно голландского художника Яна Вермера, на котором юная девушка у окна читает письмо, но её голова, абрис плеча, груди и рук порождают сюрреалистическую голову Диего Веласкеса.

Слайд: С.Дали «Изображение исчезает».

Учитель: Дали в своих картинах использовал необычайное сочетание предметов(«Тристан и Изольда») например, костыли, поддерживающие небо ( символ зыбкости и ненадёжности окружающего мира), текучие формы человеческих тел с прорастающими в них травами и деревьями (символы любви и смерти).глубокие трещины (символ неосознанных желаний).

Одной из самых известных картин является картина «Постоянство памяти» (1931г.)



Анализ картины обучающимся: «Постоянство памяти» (1931г.) Сальвадор Дали. «Постоянство памяти». (1931г)

На пустынном, словно вымершем фоне представлено странное существо, напоминающее останки какого-то морского животного. В нём одновременно можно рассмотреть черты лица человека и улитку без раковины. Мы видим мягкие, словно расплавленные циферблаты часов, свисающие с голой ветки оливы и плиты рядом. Вокруг часов – вечный покой неба, гор и моря – символы вечности бытия. Они наводят на мысли о бренности человеческой жизни, текучести и монотонности времени. Мягкие часы воспринимаются как символ остановившегося времени. Иссохшее дерево красноречиво напоминает о традиционном образе умирания. Муравьи, ползающие по крышке часов, напоминают о бесконечной житейской суете, о людском муравейнике. Да, в этой жизни нарушен привычный, естественный порядок вещей, а потому время остановилось навсегда, «порвалась цепь времён»…



Слайд: С.Дали «Постоянство памяти».

Учитель: Искусство Сальвадора дали несёт особую религиозность ( «Распятие или Гиперкубическое тело», «Тайная вечеря»). Эти картины содержат такую духовную глубину и выполнены с таким совершенством, что могут уравновесить все произведения Сальвадора Дали, в которых живут образы тёмных сил и зла . Подлинной вершиной духовных исканий художника является великолепное полотно «Тайная вечеря». Картина гармонична и светла. Сочетание жёлто-золотистых цветов близки к цветовому строю рублёвской «Троицы».

Какой бы необычной ни была живопись Дали, сколько бы спорных суждений она ни вызывала у зрителей, всё же следует отметить, что он обладал безупречной техникой академического рисунка.

Однажды Сальвадор Дали сказал: «Живопись – это небольшая часть моего гения». За этими словами - глубокий смысл и правда жизни художника. 1200 картин, тысячи рисунков, скульптуры, гравюры, декорации, свыше двадцати литературных произведений: романы, стихи, киносценарии – вот далеко не полный перечень того, что было создано этим удивительным художником.

Редкий дар Дали был непонятен для большинства, поэтому многие не смогли рассмотреть в его искусстве общечеловеческую боль. Его картины не что иное, как предчувствия, предсказания, с помощью которых он стремился уберечь род людской от вселенской катастрофы.

Под стать живописи в русле модернизма развивалась и музыка. В музыке Антона Веберна особая техникам композиции, при которой ноты и созвучия отделены друг от друга паузой . Музыка вызывает ассоциации с живописными полотнами Сальвадора Дали. (Обучающиеся прослушивают кантату А. Веберна).

Как показала история все течения, которые мы разобрали на сегодняшнем уроке оставили глубокий след в искусстве ХХ столетия.


Обучающимся раздаются карточки с высказываниями художников, творчество которых мы разбирали на сегодняшнем уроке. Обучающиеся должны определить: какому именно художнику принадлежит каждое из высказываний? (Приложение 1)

Учитель проверяет правильность выполнения задания.

Учитель: А теперь ребята вы должны оценить свою работу на уроке по 10-бальной шкале. (каждому учащему раздаются листочки с вопросами).

(Приложение 2)

Учитель подводит итог урока, отмечая активность обучающихся.

Список использованных материалов

1.Емохонова Л.Г. МХК. 11 класс (базовый уровень).- М.: Издательский центр « Академия», 2008.

2.Мировая художественная культура: конспекты уроков по темам «Искусство Европы в лицах (XVII – XVIII)», «Пространственный образ мира и его влияние на искусство Европы (от античности до наших дней)»/сост.И.А.Лескова.-Волгоград: Учитель,2008.

3.Мировая художественная культура. 10-11 классы: рефераты /сост.О.В.Свиридова.-Волгоград: Учитель,2008.-189с.

4.Мировая художественная культура.10-11 классы: уроки учительского мастерства /авт.-сост. Н.А.Леухина.- Волгоград: Учитель,2008.

5.Александров В.Н. История русского искусства: Краткий справочник школьника.- Мн.: Харвест, 2007.



6. ru.wikipedia.org/wiki/

7.www.lookatme.ru/wiki/

8.smallbay.ru/impress.html