Лекция. Музыка России конца XIX- начала ХХ века - shikardos.ru o_O
Главная
Поиск по ключевым словам:
страница 1
Похожие работы
Название работы Кол-во страниц Размер
Историко- правовые особенности английского конституционализма 1 185.55kb.
Вопрос 21. Отечественная культура конца XIX начала XX века 1 93.84kb.
«России первой половины XIX века» 1 30.89kb.
Лекция 3 42 физический взгляд на мир 42 Лекция 1 6 1771.77kb.
Загладина Х. Т. «История России с древнейших времён до конца XIX... 1 318.4kb.
Загладина Х. Т. «История России с древнейших времён до конца XIX... 2 525.65kb.
Рабочая программа дисциплины для бакалавриата по направлению №032700... 2 532.02kb.
С33 Сеславинский, Михаил Вадимович (1964 ) 1 148.58kb.
Типология воплощения рубежного сознания в художественной прозе конца... 1 341.69kb.
Литература начала 20 века Обзор русской литературы первой половины... 1 154.8kb.
Пашков А. М. Т. В. Баландин малоизвестный петрозаводский просветитель... 1 220.68kb.
Конкурс работников образования Всероссийский интернет-конкурс педагогического... 3 498kb.
- 4 1234.94kb.
Лекция. Музыка России конца XIX- начала ХХ века - страница №1/1





Лекция. Музыка России конца XIX- начала ХХ века
На рубеже XIX-XX столетий завершился длительный и сложный процесс освоения русскими музыкантами традиций, стилей и жанров европейской культуры. К концу XIX в. Петербургская и Московская консерватории стали солидными учебными заведениями. Из стен вышли все выдающиеся композиторы той эпохи и немало прекрасных исполнителей. Сложились школы инструменталистов, певцов и танцовщиков. Русское оперное и балетное искусство покорило европейскую публику. В развитии музыкального театра важную роль сыграли Императорский Мариинский театр в г.Петербурге и Московская частная русская опера, созданная российским промышленником и меценатом Саввой Ивановичем Мамонтовым (1841-1918)

В русской музыке рубежа веков переплелись черты позднего романтизма и импрессионизма. Велико было влияние литературно-художественного направлений, и прежде всего символизма.

Однако крупные мастера вырабатывали собственные стили. Их творчество трудно отнести к какому-либо определенному течению, и это – доказательство зрелости русской музыкальной культуры.

Анатолий Константинович Лядов (1855-1914) в историю отечественной музыки вошел как дирижер, педагог, музыкальный критик и композитор. В его творчестве соединились черты разных художественных направлений рубежа XIX-XX вв. (позднего романтизма, импрессионизма) и русского фольклора. Родился А.К. Лядов в Петербурге в семье музыканта (его отец был дирижером Мариинского театра). В 1878 г. он окончил Петербургскую консерваторию по классу композиции у Н.А. Римского-Корсакова. В студенческие годы находился под большим влиянием композиторов «Могучей кучки».

А.К. Лядов преподавал в Придворной певческой капелле и петербургской консерватории композицию и теоретические дисциплины (в 1886 г. получил звание профессора). В разное время у него учились Н.Я. Мясковский, С.С. Прокофьев и др. композиторы.

Наиболее интересные ранние произведения написаны для фортепиано. Сюита «Бирюльки» (1876) окрашена русским национальным колоритом – здесь и мотивы, напоминающие мелодичные народные песни, и особая гармония. В пьесе «Про старину» (1889 г.) слышатся отголоски старинных былин. Из программных сочинений выделяется «Баркарола» (1898 г.) и небольшой вальс «Музыкальная табакерка». В симфонических миниатюрах «Баба-Яга» (1904 г.), «Волшебное озеро», «Кикимора» (1909 г.), в симфоническом цикле «Восемь русских народных песен» (1906 г.) использованы подлинные народные мелодии.

Александр Константинович Глазунов (1865-1936 гг.) – композитор, дирижер, музыкальный критик и общественный деятель. Продолжил традиции композиторов «Могучей кучки» и П.И. Чайковского. В обширном творческом наследии Глазунова значительное место занимают симфонические жанры и балетная музыка. Он родился в семье книгоиздателей в Петербурге. Встреча с Балакиревым оказалась решающей в судьбе музыканта, а Римский-Корсаков стал наставником Глазунова. Уже его первая симфония имела шумный успех в Петербурге, и молодым композитором заинтересовались его старшие коллеги, так и музыкальные издатели. Им были написаны симфоническая поэма «Стенька Разин» (1885 г.), вторая и третья симфонии. На 90-е гг. приходится расцвет творчества композитора. Он создал пять симфоний; балет «Раймонда» (1897 г.), «Барышня-служанка» и «Времена года» (19000 г.); симфоническую сюиту «Из средних веков» (1902 г.); скрипичный концерт (1904 г.). После 1928 г. он жил за границей, где написал последние произведения. Глазунов завершил совместно с Римским-Корсаковым незаконченные сочинения А.П. Бородина, в том числе оперу «Князь Игорь». Композитор оставил обширное литературное наследие – переписку, заметки, критические статьи.

Сергей Васильевич Рахманинов (1875-1943) – композитор, пианист-виртуоз – гармонично соединились традиции русского и европейского искусства. Для большинства музыкантов и слушателей сочинения Рахманинова – художественный символ России. На творчество композитора серьезное влияние оказал фольклор и особенно русское средневековое духовное музицирование, в частности знаменное пение. В то же время музыка Рахманинова – важная часть позднего романтизма Европы. После 1917 г. Рахманинов жил за границей – в Швейцарии и США. Он получил образование в Петербургской (с 1882 г.), а затем Московской консерватории (1885-1893 гг.) В Москве он занимался по классу композиции у С.И. Танеевой – глубокого знатока Европейской музыки, а по классу фортепиано – у Александра Ильича Золоти (1863-1945), ученика Ференца Листа.

Наследие Рахманинова включает в себя оперы и симфонии, камерно-вокальную и хоровую духовную музыку, но больше всего композитор писал для фортепиано. Много внимания уделял транскрипции – обработке чужого произведения. Немало общего не только с Ференцом Листом, но и с выдающимся пианистом – Фредериком Шопеном. Их сближает трепетное отношение к национальным традициям. Творчество Рахманинова можно считать завершением традиций европейской романтической фортепианной музыки.

Среди фортепианных произведений особенно выделяются два цикла прелюдий (1903, 1910 гг.) и два цикла «Этюды-картины» (1911, 1917 гг.). В пьесах лирического склада, входящих в циклы, поражает прежде всего красота мелодии – мягкой и нежной, сложной по рисунку. Эмоциональной силой и виртуозным блеском отличаются быстрые, драматичные по характеру пьесы, в которых он использует все возможности инструмента. Стремление живописно показать конкретный образ (не случайно автор назвал свои произведения «картинами»). Нередко таким образом является колокольный звон – звон колоколов центральная звуковая идея фортепианных концертов Рахманинова и прежде всего самого популярного – Второго (1901 г.). Среди крупных произведений Рахманинова для фортепиано с оркестром особое место занимает рапсодия на тему Паганини (1934 г.), которую исполнители называют «Пятым концертом» за масштабность и глубину содержания. Важное место в творчестве композитора занимает вокальная музыка. Уже в дипломной – одноактной опере «Алеко» (1893 г.) по поэме А.С. Пушкина «Цыганы») чувствуется мастерство, умение писать для голоса. Любимым вокальным жанром Рахманинова стал романс (всего их написано около восьмидесяти). Рахманинов часто обращался к произведениям поэта-символиста Константина Дмитриевича Бальмонга. Значительная часть романсов создана на стихи, содержащие пейзажные зарисовки. Мастер вокальной миниатюры, Рахманинов создал две кантаты – «Весна» (1902 г.) на стихи Николая Алексеевича Некрасова и «Колокола» на стихи Эдгара По. Он создал два монументальных произведений – Литургию Ивана Златоуста и Всенощное бдение (1915 г.) В основу сочинений положены знаменные распевы. Творчество Рахманинова соединяет разные эпохи и культуры, а для музыкантов Запада он открывает Россию – показывает ее подлинные духовные богатства.

Николай Карлович Метнер (1880-1851) – композитор и пианист, в его произведениях органично соединились традиции классицизма и романтизма. Он окончил Московскую консерваторию (1900 г.) по классам фортепиано и теории музыки и с 1904 г. гастролировал по России и за рубежом с сольными программами в качестве аккомпаниатора. В 1909-1910 и 1915-1921 гг. Метнер был профессором Московской консерватории; с 1921 жил за границей.

Основа творчества Метнера – вокальные и фортепианные миниатюры: «Сказка о птицах», «Сказка эльфов», «Шарманщик», «Нищий» и др. Много романсов. Самые известные – «Цветок засохший» на стихи А.С. Пушкина и «Бессоница» на стихи

Ф.И. Тютчева.

Александр Николаевич Скрябин (1872-1915), его музыка связана с поздним романтизмом. От европейских романтиков Скрябин унаследовал веру в то, что жизнь человечества возможно изменить средствами искусства, и, воплощая эту веру в творчестве создавал монументальные порой утопичные проекты. Он замечательно владел и мастерством написания миниатюры. А.С. Скрябин родился в Москве, его отец был дипломатом, а мать – пианисткой. Он обучался в московском кадетском корпусе (1882-1889 гг.) и одновременно брал уроки игры на фортепиано. В 1882 г. он окончил Московскую консерваторию. В 90-х гг. Скрябин много концентрировал как пианист-виртуоз. В 1898-1903 гг. был профессором Московской консерватории по классу фортепиано. В 1900-х гг. композитор подолгу живет за рубежом (в Европе, гастролировал в США).

Творческое наследие Скрябина представлено фортепианной и симфонической музыкой. В ранний период заметно влияние фортепианного стиля Шопена, которое проявляется в выборе жанров (мазурки, прелюдии, этюды). В 1900-х гг. основными жанрами фортепианной музыки композитора стали соната и поэма. Из десяти сонат (1892-1913 гг.) только первые четыре отвечают традиционным представлениям о жанре – это многочастные сочинения. Остальные шесть (начиная с 1907 г.) одночастные, в них нет указаний на тональность. Он стремился передать в музыке порыв, томление, восторг. Скрябин – автор девятнадцати фортепианных поэм. («Поэма томление»). В области симфонической музыки Скрябин обращался в основном к жанру поэмы. «Поэма экстаза» (1907 г.) и др. Много нового есть в гармоничном языке поэм. Музыка «Прометея» построена на неизвестном прежде сочинении из шести звуков, получившем позже название «прометеевский аккорд». По замыслу композитора, монументальные симфонические поэмы – это только вступление к грандиозному действу под названием «Мистерия», которое соединит музыку, слово, танец и все виды пластического искусства.



Сергей Павлович Дягилев (1872-1929 г.) – гастрольные выступления русской оперы и балета – Русские сезоны за границей (1908-1914 гг.) – состоялись благодаря ему. Он оказал большое влияние на развитие русской культуры рубежа XIX-XX вв. Он был один из основателей творческого объединения художников «Мир искусства» (1898 г.) и редактором журнала, выходившего под тем же названием. С целью популяризации русской культуры Дягилев организовал в 1907 г. в Париже Исторические русские концерты. На этих концертах впервые в Европе прозвучала музыка из опер Н.А. Римского-Корсакова «Снегурочка», «Ночь перед Рождеством», «Сказка о царе Салтане», «Садко», «Млада» под управлением автора. В мае 1908 г. на сцене парижской Гранд-оперы Дягелев показал оперу М.П. Мусарского «Борис Годунов» с Федором Ивановичем Шаляпиным (1873 – 1938) в главной роли. Успех был неслыханным, публику восхищало все: музыка, постановка, мастерство исполнения. Русские сезоны кроме Парижа проходили в Лондоне, Вене, Мадриде, в городах Италии и США продолжались в течении двадцати лет. За это время было показано около 80 музыкальных произведений: оперы «Хаванщина» М.П. Мусорского, «Псковитянка» Н.А. Римского-Корсакова и целый ряд балетов. Публика впервые увидела балеты Игоря Федоровича Стравинского «Жар-птица», «Петушки», «Весна священная». После этих произведений Стравинский был признан крупнейшим композитором Европы.

Особенность Русских сезонов в том, что спектакли часто являли собой образец полного слияния музыки, театральной режиссуры, танца и живописи. С Дягилевым сотрудничали выдающиеся танцовщики – Михаил Михайлович Фокин (1880-1942), Вацлав Фомич Нижинский (1889-1950),. Анна Павловна Павлова (1881-1931), Тамара Платоновна Карсавина (1885-1978) и др. Декорации создавали известные русские художники Александр Николаевич Бенуа, Лев Самуилович Бакст, Николай Константинович Рерих, Наталья Сергеевна Гончарова, Константин Андреевич Сомов.




Лекция. Музыка России ХХ века.
В русской музыке ХХ столетия (10-20-е гг.) соединились разные стили и направления. В это время работали и композиторы, развивавшие традиции «Могучей кучки», и позднего романтизма, и молодые мастера, стремившиеся к созданию новых форм. В России были знакомы со всеми важнейшими явлениями западного искусства: на гастроли в столичные города – Москва и Петербург приезжали известные композиторы, дирижеры и исполнители – виртуозы из разных стран. В свою очередь на Западе также возрос интерес к России, что позволяло русским музыкантам выступать за рубежом с концертами, ставить оперы и балеты в лучших европейских театрах.

После революционных событий 1917 г. немало мастеров культуры эмигрировало. Но для тех, кто остался в России, на первых порах открылись новые возможности. До конца 20-х гг. сохранялась насыщенная концертная жизнь. Не случайно именно в этот период осваивался опыт нововенской школы, неоклассицизма, «Шестерка» и др.

На рубеже 20-30-х гг. ситуация начала резко меняться. Коммунистическая партия, пришедшая к власти в октябре 1917 г. стремилась контролировать не только экономику, политику, идеологию, но и культурную жизнь страны. Современную зарубежную музыку почти перестали исполнять,. признаки новых западных направлений в сочинениях советских композиторов объявлялись «буржуазным формализмом» (формализмом – повышенное внимание к форме в ущерб содержанию).

Однако, несмотря на идеологический диктат, музыкальное искусство в 30-40-х гг. достигло высот мирового уровня. Композиторы создавали шедевры, не уступающие по глубине и значительности произведениям западных музыкантов. Сложились выдающиеся школы исполнителей (особенно среди пианистов, скрипачей и певцов).

С конца 50-х гг. в советскую музыку пришел неофольклоризм, он перевернул сознание многих композиторов. В 30-40-х гг. народная музыка часто искажалась, обработки приближали ее к авторским массовым песням, отличавшимся показной жизнерадостностью. Изучение подлинных образцов показал, что русский фольклор пронзительно эмоционален и трагичен. Интонации народных песен предавали звучанию классических сочинений остроту и свежесть, а их содержанию – реалистичность. Влияние неофольклоризма чувствуется не только в произведениях русских композиторов, но и в музыке других народов, входивших в состав СССР (особенно Прибалтики и Закавказья).

В 60-70-х годах в России сложился музыкальный авангард. Он возник позже, чем на Западе, поэтому методы и стили получил в готовом виде. Усилия композиторов были направлены на поиски нового образного содержания. Серьезное воздействие на авангардную музыку России оказали идеи европейского неоклассицизма, с которыми широкая публика познакомилась с опозданием. Большой популярностью в авангардных кругах 70-80-х гг. стали пользоваться древнерусские знаменные распевы и григорьевские хоралы.

Игорь Федорович Стравинский (1882-1971) «Я всю жизнь говорю по-русски. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней». Так сказал о себе Игорь Федорович Стравинский, родившийся в России, но проживший долгие годы в Европе и США, мастер без творчества, которого невозможно представить как русскую, так и западноевропейскую культуру ХХ столетия. Он родился в Ориенбауме (ныне г. Ломоносов в Петербурге) в семье известного оперного певца Федора Игнатьевича Стравинского. Брал уроки композиции у Н.А. Римсого-Корсакова. Огромное влияние на Стравинского оказало общение с художниками объединения «Мир искусства», серьезно изучавшими как русскую, так и западную культуру. Со II половины 10-х гг. композитор живет в Европе – сначала в Швейцарии, а с 1920 г. во Франции (с 1934 получил французское гражданство). В 1939 г. он переехал в США (в 1945 г. принял американское подданство). В 1962 г. он приезжал в СССР. В ранний период творчества (до рубежа 10-20-х гг.) Стравинский разрабатывал русскую тематику. Для спектаклей труппы С.П. Дягилева он написал три балета – «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная». В «Жар – птице» (1910 г.) был создан не без влияния «сказочных опер» Римского-Корсакова. В музыке присутствуют и черты импрессионизма. Тем не менее самобытность творческого почерка композитора чувствуется в этом сочинении уже с первых звуков.

Балет «Петрушка» (1911 г.) решен в ином ключе. Средствами музыки, танца и живописи (спектакль оформлял Александр Николаевич Бенуа, один из художников «Мира искусства») создается образ ярмарочного действия: веселящаяся толпа, подвыпившие ямщики, цыгане, мужик с медведем.

Крупным событием в европейской музыкальной жизни была премьера балета «Весна священная» (1913). Сюжетная основа – языческие обряды славян. Композитор обратился к древнерусскому фольклору. На рубеже 10-20-х гг. в творчестве композитора начались смелые эксперименты. Один из них – сложное сценическое действо «Свадебка» (1917 – 1923 гг.). В нем соединены элементы хорового пения и балета. «История солдата» (1918 г.) композитор обратился к интонациям бытовых и танцевальных жанров. Пение и хореография сочетаются и в балете «Пульчинелла» (1920 г.). Подобно многим западным современникам, композитор интересовался античными сюжетами. В 1927 г. он создал новаторское по жанру произведение – оперу-ораторию «Царь Эдип». На сцене наряду с поющими персонажами присутствуют чтец-рассказчик, действие развивается медленно, и этим «Царь – Эдип» напоминает ораторию. В этот период неоклассицизма Стравинский обратился к духовным темам. Лучшее духовное сочинение – «Симфония псалмов» (1930 г.) для хора и оркестра. В начале 50-х гг. в творчестве произошел поворот к додекафонии – серия, последовательность из 12 звуков. Серийная техника использована в таких сочинениях как сонет (1952 г.), балет «Аргон» (1957), реквием (1966). В творчестве И.Ф. Стравинского музыка предстает как всеобъемлющее искусство, он не знал строгих ограничений во времени, в стилях и национальных традициях, но тем не менее он всегда оставался цельным мастером. Символом этой цельности можно считать одно из его последних произведений – Канон для оркестра (1965 г.) на тему русской народной песни.

Николай Яковлевич Мясковский (1881-1950) работал в области симфонической, камерной инструментальной и вокальной музыки. Главное в его наследии – двадцать семь симфоний. Музыка симфоний завораживает совершенством форм, красотой звучания оркестра. К числу лучших сочинений относят Двадцать первую (1940 г.) и Двадцать седьмую (1949 г.) симфонии. Камерная музыка композитора – квартеты, фортепианные сонаты и др. вокальные и инструментальные сочинения.

Сергей Сергеевич Прокофьев (1891-1953) – его творчество крупное явление не только русской, но и мировой музыкальной культуры ХХ столетия. Отличительная черта его стиля – стремление к новаторству. Публика, а иногда и исполнители обвиняли его произведения в чрезмерной сложности, грубости и даже «музыкальном хулиганстве». Музыка мастера требует от слушателя внимания, сосредоточенности: только в этом случае удается постичь глубину произведения, оценить смелые и неожиданные решения в построении мелодий и гармоний, безукоризненно логичные формы. Музыкальные способности композитора проявились рано – с пяти лет, он уже сочинял, а в девять попытался написать оперу. Первым серьезным учителем композитора стал композитор и педагог Рейнгольд Морицевич Глиэр (1874 – 1956 гг.). В (1904 – 1914 гг.) он учился у Н.А. Римского-Корсакова и А.К. Лядова.

Творческий путь Прокофьева можно разделить на три периода: ранний (1908-1918 гг.), заграничный (1917-1932 гг.) и период жизни в СССР (1932-1953 гг.).

Самые значительные произведения первого периода – Первый фортепианный концерт (1912 г.) балет «Ала и Лоялий» (1915 г.) и «Классическая» симфония (1917 г.). В концерте чувствуется новый для русской музыки того времени подход к фортепиано, когда звучание инструмента подчиняет себе оркестр. «Классическая» симфония – один из редких примеров неоклассицизма в русской музыке. В результате у автора получилось изысканное, остроумное и современное произведение: классические формы подчеркивают оригинальность музыки. В 1918 г. Прокофьев уехал за границу и прожил там пятнадцать лет. В этот период композитор работал в разных жанрах: особое внимание он уделял оперной музыке. Работа над оперой «Игрок» (на подлинный текст одноименной повести Ф.М. Достоевского) была начата еще в 1915 г. Тяга композитора к характерам сложным, сильным и неоднозначным вызвала к жизни оперу «Огненный ангел» (1927 г.). Она написана по одноименной повести русского поэта-символиста Валерия Яковлевича Брюсова. Комическая опера «Любовь к трем апельсинам» (1921 г.) В 1932 г. Прокофьев возвратился на Родину и этот период оказался особенно плодотворным. Появились новые симфонии, балеты, новые оперы, симфоническая сказка для детей «Петя и Волк» (1936 г.).

Композитор работал над музыкой к кинофильмам режиссера Сергея Михайловича Эйзенштейна – «Александр Невский» (1938 г.: позднее переработана в кантату) и «Иван Грозный» (1942 – 1945 гг.). Одно из центральных произведений 30-х гг. – балет «Ромео и Джульетта» (1936 г.) по трагедии Шекспира. Его постановка в Ленинграде в 1940 г. (гл. партию исполнила великая балерина Галина Сергеевна Уланова.

Оперное творчество Прокофьева 30-40-х годов это попытка разобраться в исторических проблемах, в понятиях «героизм» и «патриотизм» очень важных для композитора, принципиально не пожелавшего жить вдали от родины. Опера «Война и мир» (1943 г.), написанная по роману Л.Н. Толстого, решена в русле исторической традиции русской оперной музыки XIX в. В опере соединились две основные линии русской оперной музыки - традиции лирико-психологической драмы (взаимоотношение главных героев) и героико-эпической оперы (рассказ о событиях Отечественной войны 1812 г.).

Арам Ильич Хачатурян (1903-1978) составляет важную часть как русской, так и армянской музыкальной культуры ХХ в. Музыка композитора, яркая и темпераментная и ее можно сравнить с полотнами его соотечественника – художника Мартироса Сергеевича Сарьяна. Выпускник Московской консерватории (1934 г.), ученик Н.Я. Мясковского, он блестяще знал русскую и Европейскую классику, фольклор народов Закавказья Выразительный пример соединения этих традиций – концерты для фортепиано и скрипки (1940 г.) и виолончели (1946 г.) Ярким национальным колоритом отличается музыка балета «Гаянэ» (1957 г.); один из номеров «Танец с саблями» стал популярной концертной пьесой.

Вершина творчества Хачатуряна – балет «Спартак» (1956 г.) Немало произведений Хачатурян написал для драматического театра. Лучшая работа в этой области драма М.Ю. Лермонтова «Маскарад» (1941 г.). А.И. Хачатурян много и плодотворно занимался дирижированием и педагогикой. С 1951 г. был профессором Московской консерватории.



Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906-1975). В центре творчества этого композитора – размышления о жизни и смерти, духовных и нравственных проблемах. Его произведения, сложные по музыкальному языку и смелые по содержанию требуют думающего, подготовленного слушателя, и именно за это мастер нередко подвергался жестким нападкам официальной критики. Д.Д. Шостакович родился в Петербурге в семье ученого-химика, музыкальное образование получил в петербургской консерватории (1919-1926 гг.). Взгляды Шостаковича на музыку сформировались в 20-х гг. Познакомившись в молодости с музыкальной культурой Европы, композитор всю жизнь стремился соответствовать ее уровню.

Основные жанры творчества Шостаковича – симфония, инструментальный концерт (по масштабам приближенный к симфонии) и музыка для камерных ансамблей. Среди пятнадцати симфоний композитора можно встретить все разновидности этого жанра: программные симфонии на историко-революционную тему – Одиннадцатая («1905 год» 1957 г.), Двенадцатая («1917 год», 1961 г.); симфонии с участием хора и солистов – певцов – Тринадцатая, Четырнадцатая; «классические» четырехчастные симфонии. Наибольшей популярностью пользуются Пятая (1937 г.) и Седьмая симфонии (1942 г.), носящая подзаголовок «Ленинградская» (композитор создал ее во время Второй мировой войны и блокады немецкими войсками Ленинграда, в сентябре-декабре 1941 г). В Тринадцатой и Четырнадцатой симфониях Шостакович впервые в русской музыке воплотил опыт соединения жанра симфонии с серьезным поэтическим текстом.

Тринадцатая симфония (1962 г.) названа «вокально-симфонической сюитой». Это монументальное пятичастное музыкальное полотно для мужского хора, оркестра и солиста – баса, написано на стихи поэта Евгения Александровича Евтушенко, которые затрагивают темы: антисемитизм (первая часть, «Бабий Яр»), бедность (третья часть, «В магазине»), сталинские репрессии (шестая часть «страхи»). Это сочинение – редкий пример открытого выражения композитором своей гражданской позиции в музыке.

Самое трагичное произведение Шостаковича – Четырнадцатая симфония (1969 г.). Она посвящена размышлениям о жизни и смерти.

Очень интересна камерная музыка Шостаковича. Струнные квартеты по эмоциональной выразительности и духовной сосредоточенности не уступают лучшим симфониям. В вокальных циклах композитор обращался к творчеству Микеланджело, Анны Ахматовой, Саши Черного.

Писал музыку для кино: музыка к кинофильмам «Гамлет» (1964 г.) Г.М. Козинцева и «Овод» (1955 г.) А.М. Файнциммера.



Литература


Энциклопедия для детей. Том 7. Искусство. Ч 3. Музыка. Театр, кино. /Глав. Ред. В.А. Володин – М.: Аванта 2000.

Культурология. История мировой культуры: Учебное пособие для вузов. Под редакцией проф. А.Н. Марковой.- М.: Культура и спорт, ЮНИТИ, 1995 .

Л.З. Немировская. Культурология: История и теория культуры: учебное пособие М., 1991.

Авторский коллектив Рязанской государственной радиотехнической академии. Культурологи. Общество «Знание» России, 1994 г.



Т.С. Георгиева. История русской культуры. Учебное пособие. – М. Юрайт, 2000.

Словарь



Симфония – сложная форма инструментальной музыки (греческое «созвучие»). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром и позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался этот жанр в середине XYIII столетия в творчестве представителей венской классической школы, которые и разработали сонатно-симфонический цикл из 4 частей, различающиеся характером музыки, темпом, приемами развития темы.

Сонатная форма – складывается в I половине XYIII в. и окончательно обрела вид во II половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы – главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем, проходит в три этапа – экспозицию (от фран. еxpose – «изложение»), разработку (происходит дальнейшее развитие тем), репризу (фран. Reprise, от reprendle –«возобновлять», «повторять») – итог сложного пути, к которому приходят обогащенные опытом экспозиции и разработки.

Соната – (итал. Sonata от sonare – «звучать») это многочастное (обычно из трех или четырех частей) произведение, она предназначена либо для одного инструмента (фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано).



Реквием (от лат. reguies – отдохновение, покой) – заупокойное месса. Название месса получила по первому слову своей начальной части: “Вечный покой даруй им, Господи. Музыка передает скорбь, размышление о смерти и загробном бытие души. Реквием сложился в эпоху Возрождения (XYв.)
Фортепиано: от клавесина до рояля - клавишные струнные музыкальные инструменты – пианино и рояль называют одним словом «фортепиано (от итал. forte – «громко» и piano – «тихо»). Своим происхождением они обязаны псалтерию (греч. «псалтерион», от «псалло» – «перебираю струны» многострунный шипковый инструмент, распространенный в древности и Средневековье. Корпус у него был треугольный и прямоугольный. В XYI в. псалтерий усовершенствовали: присоединили клавишный механизм. Так появился клавесин (фран. clavecen , от лат. clavic – «ключ») На рубеже XYII-XYIII вв. изобрели клавесин с двумя и тремя клавиатурами, или мануалами (от. лат. manus – «рука»). «Голос» одного мануала был громче, другого тише. Этот инструмент и его разновидности называли клависином во Франции. В Италии – чембало, в Англии – верджинел, в Германии – кильфюгель. В XY-XYIII столетиях существовал родственный клавесину инструмент – клавикорд. (от лат. clavis - «ключ» и греч. «хорде» – струна.)

Над усовершенствованием клавесина и клавикорда работали мастера во многих странах. В начале XYIII в. независимо друг от друга в Италии, во Франции, Германии три мастера (Бартоломео Кристофори, 1711 г.; Жак Мариус, 1716 г.; Готтлиб Шретер, 1721 г.) изобрели фортепиано: инструмент с вертикальным корпусом назвали пианино, а с горизонтальным крыловидным корпусом – рояль (от фран. royal – «королевский»).


Большой симфонический оркестр – оркестр происходит от древнегреческого слова «орхестра», обозначавшего площадку в театре, на которой выступали актеры и хор. Это большой коллектив музыкантов, совместно исполняющих на разных инструментах музыкальные произведения. Оркестры в зависимости от инструментов бывают струнные, духовые и др. Возникли они в начале XYII в. / большой барабан, тамтам, будон, маеталлические тарелки – шимпалы, литавры, туба, трамбон, труба, скрипка, валторна (фран. рожок), туба Вагнера, альт, орган, оркестровые колокола, треугольник, кларнет, гобой ксилофон, флейта, фагот, арфа, Бас-кларнет, виолончель, контрабас, контрагот, рояль/.
Партитура – запись всех голосов (партий) инструментов музыкального произведения, предназначенного для коллектива исполнителей.